Les 10 meilleurs films de sosies et de couples
Il y a quelque chose dans un sosie qui semble typiquement cinématographique. La personne qui vous ressemble, pense comme vous et peut-être même vit comme vous a toujours été fascinée et crainte dans la littérature et la philosophie, un concept qui soulève des questions sur l’individualité et le collectif. Mais voir une personne imiter et doubler à l’écran est d’autant plus étrange et troublant. La science-fiction, l’horreur et bien d’autres genres ont utilisé la dualité comme outil pour effrayer, déstabiliser et provoquer.
Et puis, bien sûr, il y a le défi de l’acteur. Pour l’acteur chevronné comme pour le débutant, jouer deux rôles est la flexibilité ultime, une façon de montrer votre gamme avec un seul projet. Qu’il incarne des jumeaux ou de vrais inconnus, un acteur assumant un double rôle doit réussir à être à la fois un individu et un duo, séparant les deux par de petits gestes tout en trouvant les points communs qui les unissent. C’est une tâche exigeante et c’est en partie ce qui rend le visionnage d’un film sosie si intrigant. Lisez la sélection d’IndieWire des 10 meilleurs films sosies de tous les temps.
« Le grand dictateur » (1940)
Pour son premier film entièrement sonore, l’icône du cinéma muet Charlie Chaplin a réalisé un film audacieusement trompeur qui était une réprimande et une condamnation du fascisme et de l’antisémitisme de l’Allemagne nazie à une époque où les États-Unis étaient encore neutres à l’égard du règne d’Adolf Hitler et de la Cette position pourrait encore être controversée. . Chaplin joue à la fois les rôles principaux, un dictateur qui accède au pouvoir après la Grande Guerre et met en œuvre une politique antisémite, et un barbier juif qui lutte pour la rébellion contre un régime terrible. Le résultat est une comédie d’erreurs terriblement drôle, qui rappelle les jeux d’erreurs d’identité de Shakespeare, mais avec un message incroyablement furieux sur l’importance de résister à l’injustice. Dans ce double rôle, Chaplin réalise certains de ses meilleurs travaux, notamment dans un monologue final poignant qui prouve qu’il a bien plus de talents d’acteur que les films muets qui ont fait de lui une icône.
« Vertige » (1958)
« Vertigo » est un classique tellement canonique qu’il est facile d’oublier à quel point il est profondément et véritablement dérangeant. Le chef-d’œuvre d’Alfred Hitchcock est une montre toujours surprenante qu’il vaut mieux laisser dans l’obscurité, mais à la base, il s’agit d’un thriller sur l’obsession et la possession, alors que le détective raté de James Stewart, Scottie, devient exaspéré par la femme qu’il est chargé de suivre, Madeleine, et quand il le perd, essaie de façonner son image avec une apparence similaire. Kim Novak incarne les deux femmes (ou peut-être une seule) et donne un portrait énorme et psychologiquement riche de la façon dont cette double vie fait des ravages sur son estime de soi.
« Kagemusha » (1980)
Bien qu’il ne soit pas aussi célèbre que certains de ses autres chefs-d’œuvre, « Kagemusha » est l’une des épopées les plus riches et les plus passionnantes d’Akira Kurosawa, mettant en vedette de somptueuses batailles et des divertissements d’époque de la période Sengoku du Japon. Mais le conflit au cœur du film est incroyablement intime, centré sur un voleur commun (Tatsuya Nakadai) qui est obligé de se faire passer pour le seigneur mourant Takeda Shingen. Au fur et à mesure qu’il assume ce rôle, le voleur devient de plus en plus ambitieux, mais est également hanté par le fantôme de l’homme dont il a ôté la vie. Kurosawa s’est souvent concentré sur la relation entre réalité et illusion dans ses films, et « Kagemusha » est l’une des représentations les plus directes et les plus convaincantes du flou entre ces deux lignes.
« Possession » (1981)
Histoire d’horreur classique et culte, Possession d’Andrzej Żuławski a été filmé après le propre divorce du réalisateur, et son portrait de la rupture conjugale s’avère être d’un cauchemar envoûtant. Au cœur du récit biaisé se trouve la double performance phénoménale d’Isabelle Adjani dans le rôle d’Anna, une femme qui divorce brusquement de son mari, qui semble être en dépression psychologique, et de son mystérieux sosie, Helen. Le film ne répond jamais définitivement à la question de leur relation, mais il y a d’autres doubles dans le film, dont celui du mari d’Anna, Mark (Sam Neill). Ces jumeaux semblent représenter des versions idéalisées des époux au centre du film, des fantasmes idéalisés de ce qu’ils attendent l’un de l’autre, alors même que leur séparation déchire leur union. Quelle que soit votre interprétation, force est de constater que « Possession » est l’un des morceaux les plus troublants de tous.
« Sonneries mortes » (1988)
Contrairement à certains des films de cette liste, les doubles de Dead Ringers ont une raison banale d’exister : les jumeaux gynécologues de Jeremy Irons ne sont que deux jumeaux, l’un timide et l’autre confiant, qui dirigent une clinique ensemble. Et pourtant, Elliot et Beverly Mantle s’avèrent extrêmement irritants, en partie grâce à la performance convaincante d’Irons et à la relation symbiotique que retrace le film. Les deux partagent tout, des affaires à la romance, un statu quo qui fonctionne bien pour Elliot mais qui rend Beverly folle quand cela blesse la femme qui lui tient à cœur. Le film surprenant de David Cronenberg est l’un de ses moins horribles mais l’un de ses plus troublants, le portrait d’une relation profondément toxique qui s’avère à la fois répugnante et subtilement déchirante.
« La Double vie de Véronique » (1991)
Énigmatique et audacieux, La Double vie de Véronique de Krzysztof Kieślowski présente Irène Jacob comme deux femmes identiques vivant dans des pays différents. La choriste polonaise Weronika et la professeure de musique française Véronique ne se rencontrent jamais face à face, mais elles ont le sentiment qu’elles ne sont pas seules au monde et leur étrange connexion fait que leurs vies se reflètent de manière étrange et surprenante. Le film de Kieślowski regorge d’images oniriques, d’une cinématographie floue et d’une partition d’opéra bouillonnante d’émotion. Le film est une sorte d’histoire d’amour, et « La Double vie de Véronique » fait croire à la connexion entre deux êtres qui ne se rencontrent jamais vraiment.
« Le piège des parents » (1998)
La plupart des films de cette liste utilisent le doublage pour effrayer, déstabiliser ou calmer le public. Au lieu de cela, la comédie familiale bien-aimée de Nancy Meyers, The Parent Trap, l’utilise pour réaliser le fantasme de trouver un ami, un frère ou une sœur, qui vous comprend à un niveau que personne d’autre ne peut. Lindsay Lohan donne une très bonne performance dans le rôle de Hallie et Annie, des jumelles séparées peu après leur naissance dans le cadre de l’arrangement de garde le plus insensé au monde, où leurs parents ont chacun pris la garde de l’une et ont décidé de ne plus jamais revoir l’autre jumelle. Mais lorsque les filles se rencontrent au camp d’été, elles réalisent leur héritage commun et travaillent ensemble pour changer de place et réunir leurs parents. Remake du film Disney de 1961, le « Parent Trap » des années 90 se démarque des autres grâce à la performance pleine d’entrain et charmante de Lohan dans le rôle des jumelles et à un casting chaleureux – comprenant Dennis Quaid et Natasha Richardson dans le rôle des parents mal assortis – qui assurent le le film reste une montre confortable de tous les temps.
Promenade Mulholland (2001)
Le travail de David Lynch a toujours porté sur l’identité et la dualité – voyez les remplacements contrastés ou queer qui apparaissent dans le canon de « Twin Peaks » et les vies volées dans « Lost Highway ». Mais son opus magnum « Mulholland Drive » est peut-être la distillation la plus évidente de ce thème, réunissant les amants centraux interprétés par Naomi Watts et Laura Harring comme deux femmes différentes vivant des vies très différentes dans la ville des rêves. Dans l’un, Watts incarne Betty, une actrice talentueuse, inventive et ambitieuse qui veut aider Rita, amnésique de Harring, à trouver sa véritable identité. Dans un autre, Watts est une Diane amère et ratée dont l’amour pour Camilla émotionnellement indisponible de Harring la condamne. La façon dont ces deux vies parallèles se croisent est une question qui fascine les cinéphiles depuis plus de deux décennies, mais peu importe la façon dont vous l’interprètez, il s’agit d’un regard inoubliable sur la pourriture qui se cache sous le rêve hollywoodien, avec une performance phénoménale de tous les temps de Naomi Watts. . en son coeur.
« L’Adaptation » (2002)
Le drame inventif et hilarant de Spike Jonze et Charlie Kaufman, Adaptation, est écrit par Kaufman et son frère jumeau Donald. Attraper? Il n’y a pas de Donald ; au lieu de cela, il est un personnage de l’adaptation cinématographique du livre non-fictionnel de Susan Orlean, The Orchid Thief, par son frère Charlie. Oui… il y en a beaucoup. « Adaptation » n’est généralement que beaucoup, un film débordant d’idées car il fait la satire et parodie le processus d’écriture, combinant des éléments de la vie réelle avec de la fiction et réussissant même à adapter en quelque sorte le véritable « Voleur d’orchidées » à travers un scénario. Meryl Streep dans le rôle d’Orlean et John Laroche, le sujet central du livre. Mais le film se concentre sur la relation fictive entre Kaufman et Donald, et « Adaptation » présente une excellente performance de Nicolas Cage dans le rôle des frères. Kaufman articule le processus du syndrome de l’imposteur et de l’insécurité, faisant de Donald l’homme sûr de lui que veut le Charlie fictif, et leurs bousculades sont à la fois hilarantes et véritablement émouvantes.
« La Lune » (2009)
L’un des meilleurs films de science-fiction de ces derniers temps, « The Moon » capture l’isolement et l’horreur de l’espace à travers l’histoire de Sam (Sam Rockwell), un mineur d’hélium sur la lune qui a passé trois ans seul sur la base, séparé du sien. famille et approchant de la limite de sa raison. Lorsqu’il commence à avoir des hallucinations, il rencontre une version plus ancienne de lui-même, et la question de savoir qui est le clone et qui est l’original hante les deux versions de lui. Le film de Duncan Jones est une œuvre de chambre intelligente sur l’individualité et l’identité, centrée autour d’une superbe double performance de Rockwell.
